Aquí van en tu camino 100 consejos de producción musical.
Antes de empezar quiero que sepas que la producción musical NO se trata solo de encabezar festivales, firmar Billboard # 1 y tocar en clubs gigantes rodeado por modelos de Ibiza.
En realidad, la producción musical es una rutina. Es una verdadera lucha, una hermosa búsqueda que combina una forma de arte musical con los tecnicismos de la ciencia.
Y no voy a mentir, me encantan todos sus aspectos.
Cuando las cosas están haciendo clic, sentarse y crear o diseñar música es una de las emociones más gratificantes que puedo experimentar a diario.
Personas de proceso frente a personas de resultados
Las personas del Proceso se enamoran del viaje.
Cuando preparan la cena, se toman su tiempo. Después de todo, no se puede apresurar una comida adecuada con un gran sabor.
Resultados, la gente se impacienta y lo adivinaste: solo se enamora de los resultados. Ni siquiera preparan la cena porque quieren su comida ahora mismo. Terminan obteniendo comida para llevar independientemente de cuánto gasten en sus ahorros.
Entonces, para la gente del proceso ... para los productores que entienden que podría llevar meses digerir completamente todo lo que esta publicación de blog tiene para ofrecer, pensé que sería divertido compartir para estas personas 100 consejos, técnicas y estrategias de producción musical.
Este artículo me tomó unos días en hacer, pero años en adquirir el conocimiento y la experiencia necesarios para escribirlo.
Así que siéntese, profundice y, con suerte, concéntrese en aprender, utilizar e implementar estos consejos de producción musical como una continuación de su viaje musical en constante evolución.
Si queremos triunfar en este negocio, tenemos que enamorarnos del proceso. Entonces, aquí va ...
Parte 1: Mentalidad
1. Terminar la música es el objetivo más importante.
Pon terminar cada música que empiezas por encima de todo. Establece plazos. Haz apuestas con amigos. Haz lo que sea necesario para asegurarte de terminar al menos una canción cada semana o dos. Si es más lento que eso, la realidad es que no estás listo para hacer esto de manera profesional.
2. Siéntete cómodo inspirándotelo en los temas.
Cada canción que escuches a partir de este momento es una oportunidad para inspirarte. Piénsalo. Aprende a escuchar música con un deseo insaciable de recrear sonidos que te gustaron.
3. Aprende y progresa a tu propio ritmo
Todo ... literalmente, todo en tu vida sucede a tu propio ritmo. No te preocupe por el artista que ha estado produciendo solo una fracción del tiempo que ti y está obteniendo mejores resultados.
Esto seguirá sucediendo toda la vida es normal. Mantén la cabeza gacha y ponte manos a la obra. No prestes atención a esa energía. La rutina es el camino real y nadie necesita estresares al compararse con otras personas una y otra vez.
Consejo adicional: para todos los que están atrapados en lo que otras personas piensan de su trabajo, considere esto: la persona promedio solo tiene 10 personas llorando en su funeral. Sí, solo 10. ¿Alguna de esas personas por las que te estresas va a ser una de esas 10? Apuesto a que no. Así que sigue adelante y dirige esa energía a otra parte, a las pocas personas que si te valoran.
4. La perseverancia supera al talento a largo plazo
Nadie nació genial. El talento no se da, se gana. Así que trabaja duro, pero asegúrate de aceptar que la carrera es muy larga. No se agote trabajando hasta que le sangren los ojos todas las noches, aprenda a trabajar duro y pasar buenos momentos fuera del estudio para recargar energías.
5. Esté abierto a críticas y comentarios constructivos
Obtener comentarios consistentes y confiables sobre tu música será uno de los factores más importantes para pulir tu sonido. Sin esa combinación mágica de retroalimentación + implementación real, el progreso es extremadamente difícil de conseguir. Es difícil al principio, pero aprenda a no tomarse personalmente las críticas constructivas. Por otro lado, si alguien dice "esto apesta" en tu Soundcloud, tienes todo el derecho a trollearlo (pero recomendaría ignorarlo).
6. El bloqueo del escritor no es real
Lo siento. El bloqueo del escritor simplemente no existe. El verdadero problema es empezar. Creando hábitos diarios consistentes. ¿Demasiado flojo para salir a correr? Empieza de a poco trotando. ¿No tienes ganas hacer música? Simplemente abre tu DAW y haz algo básico para practicar el día de hoy ...
7. Escucha un montón de música diferente
Cuando se trata de longevidad y de alimentar ideas musicales una y otra vez, realmente creo que escuchar música fuera de tu nicho electrónico no solo es importante sino 100% necesario. Sin la inspiración de géneros muy diferentes, la música electrónica puede volverse muy repetitiva. Potencialmente incluso aburrido. Toma tus elementos favoritos de diferentes géneros y mézclalos y moldéalos en algo completamente tuyo.
8. Gaste en conocimiento, no en equipo.
Cuando se trata de equipos, un artículo de Pro Audio Files explica el tema muy bin ...
Hay cuatro niveles de equipos de audio:
1. Barato
2. Lo suficientemente sólido para uso profesional, precio a nivel de consumidor.
3. "Pro", que es ligeramente mejor que el número 2.
4. Caro.
El nivel dos es suficientemente bueno. Ignora el resto. Cuando te ganas la vida con la música, puedes derrochar.
En cambio, gaste en educación. Por ejemplo, si gastó $ 100 para aprender a usar realmente la compresión, será más valioso que cualquier complemento de compresor real que haya comprado. Puedo decir con el beneficio de la retrospectiva y la claridad absoluta, los dólares que gasté en una escuela de audio fueron más valiosos que cualquier equipo que compré.
9. Sea usted mismo / siga siendo quien es
Es un cliché en este punto decirle a alguien que "sea usted mismo", pero bueno, en la música, esto es igualmente importante. Es fácil quedar atrapado en la burbuja de tratar de agradar a un A&R o intentar impresionar a tus fans o intentar firmar con un sello. Al final del día, si haces música para otras personas, te quemarás. Tiene que venir de un lugar dentro de ti. Así que ahí está ... mantente fiel a ti mismo y no te subas a cada tren que veas.
10. Acostumbrarse al rechazo (o peor aún, ser ignorado)
Hay millones, literalmente millones de productores, todos tratando de hacerse un espacio en un mercado extremadamente saturado. Serás rechazado. Serás ignorado. Es completamente genial.
11. Explore múltiples fuentes de ingresos
Si aún no lo ha notado, este artículo va mucho más allá de sus consejos de producción musical promedio. Verá, el millonario promedio tiene 7 fuentes de ingresos diferentes. Si se está ganando la vida con éxito con la música, lo más probable es que esté generando ingresos en diversos campos. La mayoría de los artistas no obtienen lo suficiente únicamente con las ventas de su música, por lo que: presentan programas, ofrecen servicios de ingeniería, colocan música en televisión o películas, organizan cursos, asumen la producción fantasma, etc.
12. Esté preparado para trabajar duro
No voy a mentir, hay formas mucho más fáciles de ganar dinero ahi afuera. La música es una de las industrias mas duras y si quieres que te vaya bien, prepárate para trabajar duro.
13. La colaboración lo es todo
Permitir que otra mente entre te ayude a hacer música es extremadamente importante. Esto no solo te ayuda a desarrollar tus habilidades, sino que también es extremadamente gratificante e incluso divertido.
14. Los amigos de la industria hacen una gran diferencia
Tienes que estar súper abierto a crear una comunidad. Hacer amigos en la industria de la música tiene demasiados beneficios para enumerarlos. No solo pueden obtener excelentes comentarios, sino que también pueden trabajar juntos para maximizar la exposición y atacar juntos los aspectos difíciles y engañosos de la industria de la música. Para mí, comenzar la Master Class de Jean Bacarreza ha creado cientos y cientos de nuevas conexiones y amigos, tanto en la industria como al conectarme con los estudiantes.
15. Ya lo has "logrado"
Siempre habrá un siguiente nivel, un nuevo desafío, y no hay ningún umbral que debas cruzar para ser "legítimo". Con solo comenzar y hacer tu mejor esfuerzo, haz logrado tu objetivo de ser un verdadero productor musical.
16. Cada día no tiene por qué ser tu mejor día
Habrá algunos días maravillosos, y algunos días no tan buenos, algunas semanas excelentes y algunas semanas no tan excelentes. Si las cosas no funcionan en un día determinado, no se preocupe y vuelva a intentarlo mañana. Lo he dicho antes y lo volveré a decir, la carrera es larga ...
17. El equipo no lo es todo
Claro, a veces las cosas caras suenan muy bien, pero puedes hacer música con un sonido increíble, con un presupuesto pequeño y equipo barato, en una habitación sin tratar. Deja de crearte problemas pensando que algún juguete nuevo arreglará tu música; la verdad es que, aunque te ayude, será mínimo.
Parte 2: Organización
18. Iniciar y mantener una carpeta de favoritos
Cada vez que termine una canción, tómese 10 minutos y guarde sus sonidos favoritos en un lugar organizado. Mantenga una carpeta de favoritos con sus mejores samples. Esto acelera el flujo de trabajo y le ahorra una cantidad ridícula de tiempo en proyectos futuros.
19. Codifique con colores sus proyectos
La codificación de colores lo es todo. Ayuda a su ojo a diferenciar entre tipos de grupos. También puede generar inspiración y creatividad cuando finalmente no estás mirando una pared de verde midi o azul de canales de audio.
20. Organiza tus complementos
La mayoría de las DAW te permitirán reorganizar la forma en que se muestran sus complementos. El objetivo aquí es preservar la calidad sobre la cantidad. ¿Realmente necesita que los 20 compresores que posee estén accesibles en todo momento? Elija algunos complementos que suenen geniales para cada función; encontrarás que tu flujo de trabajo se vuelve mucho más fluido y sin esfuerzo.
21. Nombra tus pistas, canales y buses
La codificación de colores no es suficiente. Asegúrate de nombrar tus pistas. Esto puede parecer molesto al principio, pero eventualmente se convertirá en una segunda naturaleza y puedes divertirte mucho con esto. Si un sonido de bajo me suena como un pedo, lo etiquetaré como "Fart Bass". Lo sé, lo sé ... Soy un adulto y esto no debería entretenerme tanto como lo hace, pero bueno, lo hace. Lo que sea. Hacia adelante...
22. Utilice plantillas
Algunas personas no se toman las plantillas(template) demasiado en serio, pero ayudan mucho. Me gusta mantener las cosas simples. Tengo una plantilla de composición y una plantilla de masterización. Para la composición, incluiré mis diferentes reverberaciónes, una pista de audio y una pista de instrumento de software, y eso es todo. Para la masterización, tengo la mayor parte de la cadena ya configurada con cada complemento configurado en la configuración predeterminada(Preset).
23. Mueva los proyectos antiguos fuera de su disco interno
El espacio adicional en el disco duro será útil para el estado general y la velocidad de su computadora, y existe el beneficio adicional de la organización.
24. No tengas miedo de eliminar las pistas silenciadas de tus proyectos.
¿Realmente no necesitas esa vieja progresión de acordes o el bombo original que trataste de usar en tu proyecto? Haga un Guardar como, cree una copia de su proyecto y elimine todo lo que ya no está usando para seguir adelante con una pizarra más limpia.
25. Etiquete sus samples por nota
Puede ser una gran pérdida de tiempo descubrir las notas de las samples o tener que volver a afinar la batería en cada proyecto. Guarde sus samples con etiquetas de notas musicales para acelerar esto en proyectos futuros. Y si aún no lo has hecho, ¡asegúrate de afinar tus instrumentos!
26. Respalda tu mierda.
Imagínat perder todo en lo que haz trabajado en toda tu carrera. Sí es feo, respalda todo en un disco duro externo.
27. Guarde tus preajustes(Presets)
Cuando se trata de consejos de producción musical que realmente funcionan, aquí hay uno importante que no puede subestimarse. Es muy fácil guardar ajustes preestablecidos y reutilizarlos en diferentes pistas. Al igual que crear una carpeta de favoritos para sus samples, esto te ahorrará mucho tiempo y energía, por lo que no siempre estarás buscando los mismos sonidos que funcionan para ti una y otra vez.
28. Respalda tu mierda.
Lo pongo dos veces por que va en serio, cualquier accidente puede pasar y perder todo tu trabajo es algo devastador.
Parte 3: Ritmo de trabajo
29. Realice un curso intensivo de atajos del teclado.
Pasa un día de tu vida sin hacer nada más que aprender atajos en tu DAW. Dedique las próximas semanas a implementarlos. Manténgalos frescos en su mente, en la pared frente a usted o en el escritorio al principio. Eventualmente, esos atajos se convertirán en una segunda naturaleza. Valdrá la pena todos los días, una y otra vez.
Hablando de DAW (estaciones de trabajo de audio digital), aquí hay un consejo adicional: realmente no importa qué DAW use. Si ya tiene conocimientos avanzados en uno y es el que mas le gusta, lo más probable es que siga con él.
30. El piano roll es tu mejor amigo
Y ya que estamos en eso ... pasa un día de tu vida aprendiendo todo sobre el redoble de piano en tu DAW. La capacidad de volar mientras se trabaja en midi será uno de los mayores ahorros de tiempo a largo plazo; no puedo enfatizar lo suficientemente útil que es esto.
31. La cura para la "Loopitis"
Evite el bucle de 8 compases (también conocido como "Loopitis") siguiendo la estructura de una pista de referencia exactamente. Sí, es así de fácil. Suelta la pista de referencia directamente en tu DAW y listo, tienes un mapa completo y una guía para seguir para tu canción. Y para todos los que odian copiar el trabajo de otros, relájese: siempre puede alejarse de esto más adelante a medida que sus conocimientos crezcan.
32. Cacería de samples con la barra de búsqueda
Cuando busques samples, use la barra de búsqueda. No siempre es necesario ir directamente a un paquete de samples para captar un sonido. En su lugar, busque el sonido que desee y luego organice los resultados por tamaño de archivo. Esto organizará (aproximadamente) los sonidos por duración o decadencia, lo que puede ser extremadamente valioso.
33. No empieces con los detalles
La música se parece mucho a crear una escultura. En una escultura, nunca comenzarías con los detalles de la mano, ¿verdad? O las pestañas del rostro. De manera similar, en la música, nunca comenzaría afinando su caja o mezclando perfectamente su sintetizador lead. En escultura, primero crearías la forma general, el cuerpo, y luego trabajarías en los detalles. Lo mismo ocurre con la música: comience con un bucle, cree una estructura y una vez que tenga una canción completa, puede comenzar a preocuparse por los detalles, las transiciones y los momentos especiales.
34. Trabaje donde se sienta más cómodo
No siempre es necesario estar frente a una computadora para trabajar en música electrónica. Por ejemplo, si necesita escribir algunas voces, tal vez vaya a una parte diferente de su casa o incluso a un parque. Lo mismo ocurre con las melodías. Es útil tocar un instrumento, pero todos podemos cantar o tararear un poco, y podemos hacerlo en cualquier lugar.
35. Trate la producción musical como un trabajo
Mi tolerancia hacia los holgazanes en el estudio es oficialmente cero. He trabajado con demasiados productores perezosos y distraídos que constantemente revisan sus teléfonos. Si te tomas en serio la creación de música, trátalo como un trabajo. Apaga tu teléfono. Sal de las redes sociales. Limpia tu agenda. Apaga internet. Minimice las distracciones y su trabajo prosperará.
36. No te olvides de vivir la vida
Sentarse en la misma habitación todos los días y mirar la misma pantalla de la computadora puede ser una auténtica locura. Asegúrate de seguir experimentando la vida, independientemente de tu pasión por la producción musical. Piénselo: es su vigor y energía hacia la vida lo que le llevó a apasionarse por la producción musical en primer lugar. Así que sigue haciendo amigos, viajando, descubriendo nuevas culturas, asimilando y absorbiendo las artes, cualquier cosa que te saque de esa maldita habitación de vez en cuando y te mantenga entusiasmado con la vida.
37. Las computadoras de escritorio son mucho más agradables que una computadora portátil
Al final del día, pasará mucho tiempo frente a una computadora. También puede obtener una pantalla más grande y una potencia de procesamiento adicional. Es simplemente una mejor experiencia. Claro, no es tan móvil, pero los beneficios definitivamente superan a los contras.
38. Ver Master Classes
No hay nada mejor que aprender nuevas técnicas de otros productores exitosos. Los canales de YouTube pueden ser un gran recurso para mirar estar en las sesiones de estudio con la mayoría de sus productores favoritos.
39. No tengas miedo de cambiar las cosas
Sepa en qué es bueno (de hecho, sea dueño de lo que se le da bien) pero no tenga miedo de probar cosas nuevas. Sistematizar demasiado la producción musical puede llevar a una pérdida de creatividad y quitarle sabor y diversión al arte.
40. Evite agotar sus oídos mientras produce
Si debe hacer esto, evite escuchar su proyecto a medio terminar mil veces. Tan pronto como escuchas una y otra vez, mentalmente se convierte en el proyecto terminado y es difícil hacer cambios más adelante. Trate de no escuchar el tema demasiado entre sesiones para que pueda volver a visitar el proyecto con oídos frescos.
41. Haga listas de comentarios propios
Cuando creas que terminaste un nuevo track, escúchelo de principio a fin, haga una lista sincera de las cosas que pudieran mejorar y luego marque los elementos de la lista uno por uno. Esto te mantiene en movimiento y te ayuda a progresar mucho en las pistas, en lugar de aferrarte a una idea. Siga haciendo rondas de comentarios hasta que haya literalmente cero cosas en su lista, y luego su pista esté lista.
42. Ponte ropa de verdad
Existe una clara correlación entre vestirse bien y el desempeño laboral en general. No, no es necesario que lleve traje, pero al menos póngase unos pantalones. Cosas como tomar un baño y vestirse antes de producir puede incrementar el nivel de seriedad con el que nos tomamos el horario que pretendemos trabajar.
Parte 4: Diseño de sonido
43. El diseño de sonido no es exclusivo de los sintetizadores
Muchos productores cometen el error de pensar que el diseño de sonido es lo mismo que la síntesis. La verdad es que el diseño de sonido no siempre tiene que ocurrir dentro de un sintetizador. Cada complemento en software que utilice en sus cadenas de procesamiento puede alterar, cambiar, manipular, deformar o distorsionar drásticamente el sonido que ha creado.
44. Lea el manual.
Me sorprende la poca gente que hace esto, pero intente leer el manual de sus sintetizadores, complementos y DAW. Sé que suena loco, pero maldita sea, esos ingenieros son mucho más inteligentes que tú y yo. Dejaré esto bastante abierto porque, bueno, ¡los beneficios de hacer esto son infinitos!
45. Separe el tiempo para el diseño de sonido
Separe sus sesiones de diseño de sonido de sus sesiones de composición. Esto significa que está bien designar una noche o una hora de tu vida estrictamente para crear texturas, tonos y timbres interesantes y únicos. Solo asegúrese de etiquetarlos y mantenerlos organizados para que pueda utilizar esos sonidos cuando sea el momento adecuado.
46. Diseño de sonido con audio
¿Hizo un sonido genial? Estupendo. Ahora imprímalo en audio, tono, reverso, deformación, distorsión, etc. y maravíllese con las texturas increíblemente diferentes que descubrirá al usar audio.
47. No te olvides del ruido blanco
En serio, no te olvides del ruido blanco. El uso de ruido blanco puede aportar carácter, emoción y plenitud a un sonido que de otro modo sería aburrido. No está diseñado únicamente para dar energía adicional, realmente puede dar un gran aporte al sonido.
48. Reamplificación
¿Has oído hablar de la reamplificación? Toma algunos de tus sonidos digitales, grábalos de nuevo en tu DAW con un micrófono medio decente y boom, acabas de crear un sonido analógico. Las imperfecciones en el micrófono, el altavoz o incluso la calibración de la habitación crearán diferencias y artefactos para calentar o espesar su sonido original.
49. Deja de ser tan obediente
Rompemos algunas reglas, ¿de acuerdo? Intente usar complementos que no estén diseñados para esos instrumentos específicos. Por ejemplo, intente usar un amplificador de bajo en una voz o un pedal de guitarra en un piano. En pocas palabras: ponte raro.
50. Deja de odiar los presets
Los ajustes preestablecidos están hechos por diseñadores de sonido muy inteligentes. Diseñadores de sonido que, muy probablemente, sean mucho mejores que tú y yo. Usalos, usalos a ellos. Manipulalos. Ajústalos. Aprende de ellos. Haga que se ajusten a su pista y obtenga los beneficios. Bono: esto también ahorra una TONELADA de tiempo y puede despertar la creatividad y dar una dirección en la que quizás no hubieras ido si hubieras estado jugando con un sintetizador desde cero.
51. Quita los efectos de tu sintetizador
Al contrario de lo que acabo de decir, ¡quítate esos malditos efectos de sintetizador! A menos que el efecto sea de alguna manera una parte integral del sonido, elimínelo y use reverberaciones, retrasos, coros, distorsiones, etc. de terceros para obtener una cantidad increíble de control adicional.
52. No te olvides de los instrumentos reales
¿Podemos dejar los sintetizadores de vez en cuando? Usa algunos instrumentos reales. Graba una guitarra. Graba un bajo. Graba tu voz. Graba ls voz de tu vecino en la ducha. Todo esto sonará ridículamente único y diferente en comparación con la mayoría de los productores que tienen miedo de ir por la ruta orgánica.
53. Manipular sonidos simples
Si algo es limpio y simple, realmente puede maximizarlo. Tener demasiada modulación o timbres locos a veces puede desordenar tu pista.
54. Grabar cosas
Las grabadoras Foley son baratas ... y una configuración de micrófono simple puede conducir a grandes cosas. Es muy fácil ser único cuando grabas tus propios sonidos. Piénsalo. Si te grabas golpeando una olla en tu habitación, con tu micrófono, nadie en todo el mundo tiene la misma muestra exacta.
55. Haz algo de automatización en vivo para una sensación más "analógica"
Active el modo de automatización "Escribir", asigne algunos parámetros de sintetizador a las perillas de su controlador midi, presione reproducir y gírelo. Obtienes un movimiento más "humano" en tus instrumentos que con cualquier automatización que utilices.
56. Ingeniería inversa para inspirar, no para copiar
Los sonidos de ingeniería inversa son una excelente manera de aprender a hacer un sonido desde cero. Pero el hecho de que hayas imitado un sonido popular no significa que debas incorporarlo automáticamente a tu música. Tome prestado lo que ha aprendido, pero manipúlelo. Cambialo. Empuja algunos límites. Hazlo tuyo.
Parte 5: Camadas
57. El uso de camadas no se trata solo de sonar fuerte.
La superposición es realmente la clave para sonar profesional porque le permite no solo sonar completo sino también único. Esta es una gran distinción. La próxima vez que intente apilar 5 sonidos para crear un acorde, no se limite a pensar "¿cómo puedo hacer esto grande?", Sino también "¿cómo puedo hacer que esto sea único?"
58. Conciencia de la envolvencia del amplificador
Una de mis técnicas de capas favoritas es asegurarme de que haya variación en el ADSR de cada sonido. Si un sonido tiene un ataque rápido y una liberación corta, superponga otro sonido con un ataque lento y una liberación superlarga. De esta manera, cada capa se transforma, cambia y complementa constantemente.
59. La estratificación es una forma de diseño de sonido
Hágase un favor y evite por completo la distorsión, al NO eligir sonidos similares. De hecho, elige sonidos tremendamente diferentes, con maderas tremendamente diferentes para crear algo completo, único y llamativo.
60. Usa sonidos que apenas puedes oír
No subestime la importancia de los sonidos atmosféricos. Esto puede ser un crujido de vinilo. Puede ser una grabación de niños riendo entre el sutil murmullo de un pueblo. Puede ser el zumbido constante de una gran ciudad. Pueden ser drones bajos. Puede ser una reverberación tonal. El hecho de que no sea inicial en la mezcla no significa que no tenga un gran impacto en su producción en su conjunto.
61. La estratificación se trata de diferencias
Si coloca diferentes timbres en capas, encajarán mucho mejor con un procesamiento mínimo. Apilar lo mismo sobre sí mismo no es diferente a subir ese sonido específico. No hagas eso.
62. Duplicar el mismo sonido no es la respuesta
Te lo diré ahora mismo: duplicar el mismo sonido, hacer panorámicas de izquierda a derecha y apenas cambiar cada sonido no crea ninguna diferencia estéreo.
La definición de un sonido estéreo es que el lado izquierdo y el derecho no son lo mismo, así que acentúa eso, obsesiona eso: encuentra sonidos complementarios que funcionen bien juntos, pero hagas lo que hagas, asegúrate de dejar de duplicar el mismo sonido (a menos que proceses cada lado de ella de manera muy diferente)
63. Piense en la disposición en términos de capas.
No es necesario que las capas estén compuestas por sonidos apilados para contribuir a un instrumento. Piense en los conductores, los acordes, el bajo y la batería, todo como capas en la mezcla que pueden sumar algo especial.
64. Menos es más
Más capas NO equivalen a un mejor sonido, ni varias capas mediocres se sumarán a un gran sonido final. Asegúrese de que cada capa tenga un propósito distinto, y rara vez necesitará dos capas que desempeñen roles similares.
65. No tenga miedo de mezclar sonidos acústicos y analógicos
A veces, un sintetizador de sierra desafinado sutil es una gran capa superior para un piano, y a veces el ataque del piano es una gran adición ágil a algunos acordes de sintetizador.
Parte 6: Composición
66. No puedes pulir un excremento
Cuando se trata de elegir un sample, comience con buenos sonidos. Y deja de enamorarte de los malos que ya has seleccionado. Sé que es más fácil decirlo que hacerlo, pero es una expresión antigua por una razón, y todavía, ciertamente, no puedes pulir una mierda.
67. Mantén las cosas simples (al principio)
La música pop es notoriamente simple en composición. No siempre es necesario que te propongas hacer música compleja. Si comienza de manera simple, habrá muchas oportunidades para crear variaciones más interesantes y avanzadas desde donde comenzó.
68. Transponer a la tonalidad de C
No todo el que se propone hacer música electrónica puede tocar el piano como Chopin. Y eso está completamente bien. Si está luchando por encontrar una melodía, simplemente transponga su pista a la clave de C (o La menor) y boom; es difícil equivocarse. Todas las notas blancas están en clave y puedes tocar. Si Madeon todavía hace esto, te lo prometo, no hay absolutamente ninguna vergüenza en hacerlo.
69. Toca melodías tomando en cuenta el diseño de sonido
Siempre he sido un gran admirador de escribir música únicamente con el piano. Solía pensar "si suena bien como un piano, sonará bien con la mayoría de los instrumentos". Y si bien eso es mayormente cierto, estaba perdiendo todas las melodías que podría haber estado escribiendo que se inspirarían en algún diseño de sonido creativo. Un bajo sucio, sucio y distorsionado naturalmente tendrá diferentes decaimiento, octavas, tonos, timbres y energía y por eso, la melodía que escribas SERÁ muy diferente.
70. Ajustar midi existente
No puedes registrar una progresión de acordes con derechos de autor, por lo que, en teoría, puedes ir a escuchar tu canción favorita de Coldplay, descargar la progresión, cambiar el tiempo y la clave y usarla como base para tu siguiente pista. También puede hacer esto con midis de paquetes de sampes. O mejor aún, tome esas progresiones, cambie algunos acordes, córtelos, haga algunas inversiones, agregue algunos 7 o 9 y boom: tiene su propia progresión.
71. Aprende los fundamentos de la teoría musical.
Si no entiendes la teoría musical en absoluto, no temas, técnicamente no la necesitas, pero hombre, te hará la vida mucho más fácil como productor musical. La buena noticia es que la teoría musical básica no es TAN complicada. Claro, hay una curva de aprendizaje como cualquier otra cosa, pero para hacer música occidental, los conceptos dentro de la teoría musical que necesitas aprender son los siguientes:
• Acordes menores vs. mayores
• Firmas clave
• Sistema de números de Nashville
• Inversiones
• Acordes prestados
• Cambios clave
• Melodías: carreras, saltos, combos, ritmo y repetición Dependiendo de tu determinación puede tomar tiempo, no te rindas! Si haces el minimo esfuerzo en un mes puedes aprender bien cada una, eso quiere decir que fácilmente puedes aprender teoría musical en poco mas de medio año y es algo que te ayudara toda la vida.
72. Referencias para la composición
Cuando se trata de composición o incluso de arreglos, no hay nada de malo en usar sus inspiraciones como referencias. Piénselo: si su canción favorita en ese momento usa una melodía larga y lenta, combinada con un bajo corto, rápido y resistente, debería intentar lo mismo. Si su canción favorita en este momento usó un filtro de paso bajo, un platillo inverso y un elevador tambaleante para hacer la transición al break, también debe hacer lo mismo (con sus propios sonidos, por supuesto). Es esta atención al detalle lo que te permite aprender la forma en que tus ídolos realmente piensan; haz esto lo suficiente y podrías hacer algo de música que compita con su competencia y calidad.
73. No te olvides del silencio
El silencio es un instrumento. Incluso algunas de las músicas más agresivas y enérgicas que escucho utilizan el silencio para crear un impacto adicional. Además, lo que realmente importa de la melodía es el silencio entre las notas, no las notas en sí. El silencio también crea tensión. Es la eliminación del espacio de frecuencia lo que hace que el regreso a una sección de frecuencia completa sea tan especial (es decir, el drop).
74. Presta atención a tus errores
Todavía me sorprende la cantidad de veces que el cometer un error ha dado lugar a una idea asombrosa. Los llamo accidentes felices. ¿Usaste la nota incorrecta? ¿Tocó la muestra incorrecta? ¿Duplicó la medida incorrecta? La lista podría seguir y seguir, pero al final del día, use sus oídos y manténgase abierto a las hermosas decisiones que los errores pueden inspirar.
75. Utilice HookTheory
Hook Theory es un recurso increíble para ver cómo se desglosan las canciones populares. Incluso puede descargar los archivos MIDI y modificarlos.
76. Aprende un instrumento
Ser capaz de tocar con un piano o una guitarra puede ayudar mucho en la etapa de composición. Pasar tan solo 30 minutos por noche practicando puede llevarte bastante lejos en unos pocos meses.
77. Robar, robar, robar, robar
Aunque solo sea para reiterar, robar, mucho. ¿Escuchas algunos acordes que AMAS en otra canción? Recrearlos, transponerlos a una nueva clave, tal vez cambiar una pequeña cosa, y ahora son suyos.
78. Crea bucles más largos para evitar monotonia.
¿Tienes una progresión de acordes de 8 compases? Que sean 16 barras. Copie su progresión de 8 compases dos veces y cambie uno o dos de los acordes en los segundos 8 compases. Haga esto para su percusión, bajo, etc., y tu loop de 8 compases se convertirá en una composición compleja y en constante evolución con solo unos pequeños ajustes.
Parte 7: Mezcla
79. El efecto Haas
Si no sabe qué es el efecto Haas, es hora de buscar en Google. En resumen, este efecto engaña al cerebro en la amplitud percibida, a pesar de que solo retrasa la señal entre 10 y 35 ms.
80. Mezclar a bajo volumen
Incluso una mezcla de aficionados suena bastante bien cuando se toca muy fuerte. Pero si suena bien silencioso, sonará increíblemente fuerte. Además, una ventaja adicional: esto también evita la fatiga del oído.
81. Sube el volumen de los graves
Al contrario de lo que acabo de decir, suba un poco el volumen cuando se trate de graves. Le permitirá escuchar los problemas de frecuencia con mucha más facilidad.
82. Escuche su música en muchos lugares diferentes
Todo el mundo está obsesionado con tratar acústicamente sus habitaciones, pero te diré algo que es más valioso: escucha tu música fuera del estudio. Escuche en un automóvil, escuche con buenos audífonos, escuche con audífonos de mierda, escuche en un club, escuche en los parlantes de su iPhone o computadora portátil, escuche su mezcla en todas partes y haga pequeños ajustes para garantizar la mejor experiencia auditiva en cada dispositivo. Así es como aprendes a mezclar en tu habitación ...
83. Evita fatigar tus oídos
Tómese un descanso cada hora durante al menos 5-10 minutos cuando mezcle una pista. Esto ayuda a recalibrar sus oídos. También evita que te pierdas en tu propia mezcla y no entiendas realmente lo que estás escuchando. Llevo esto tan lejos como levantarme y salir del estudio en el que estoy. Ve a la cocina, sal, ve a cualquier otro lugar que no sea tu estudio por unos minutos.
84. Tómate un tiempo libre
Para obtener realmente una nueva perspectiva sobre lo que está trabajando, intente tomarse una noche libre de vez en cuando. Empiece de nuevo al día siguiente. No hay nada más valioso que la perspectiva de tomarse un día entero (o incluso varios días libres).
85. La compresión está sobrevalorada
Lo diré una y otra vez, pero la compresión está muy sobrevalorada. Por supuesto, tiene sus casos de uso, pero piense en esto desde una perspectiva muy simplista ...
"La compresión está destinada a controlar los transitorios (esencialmente hacer que las cosas tranquilas y las ruidosas sean un poco más uniformes). Pero la mayoría de la música electrónica no tiene suficiente contenido dinámico como para justificar el uso de mucha compresión. En todo caso, haz lo opuesto a la compresión: infunde dinámica, vida, movimiento y transitorios de REGRESO en tu mezcla. Guarde los compresores para presentaciones en vivo e instrumentos como solos de guitarra, voces y esa graciosa grabación de bongo en vivo que tiene."
86. Sea ligero con reverberación (Reverb)
Demasiada reverberación puede arruinar tu mezcla. La reverberación debe ser lo suficientemente fuerte para escuchar, pero no abrumadora. Lo mismo ocurre con el delay. Debería ser casi inaudible (especialmente en las voces).
87. La saturación es el rey
Siéntete cómodo con los sonidos saturados. Una de las formas más fáciles de hacer que algo suene más pleno, vivo y profesional es saturarlo. Siéntete cómodo con todos los diferentes sabores y tipos de complementos de saturación que existen.
Tienes que saber que demasiada saturación puede deformar los sonidos y volverlos desagradables asi que depende del gusto del productor y que tan entrenado esta su oido para que se pueda hacer un buen uso de la Saturacion.
88. Utilice una pista de referencia para conseguir una relación correcta entre Kick y bajo
Lanza un filtro de paso bajo en tu master y A / B hace referencia a tu kick y sub contra el kick y sub de tu pista de referencia. Esto ayudará a que su puesta en escena de ganancia, sidechaining y todo lo demás en el extremo inferior suene bien. Y, por cierto, aquí no hay absolutamente ningún margen de error. Tiene que ser perfecto.
89. El contraste es clave
Si todo suena ENORME, nada sonará enorme; si todo es super reverby, nada sonará reverby. Saca a relucir las mejores características de los sonidos más importantes y tómate con calma las cosas menos importantes para que los elementos principales se destaquen.
Parte 8: MASTERING
90. Siempre, siempre usa una pista de referencia
Mastering sin una pista de referencia es como un ciego guiando a otro ciego. Elija algunos de sus artistas favoritos y comience a prestar atención a cosas como medidores RMS o LUF, dinámica general, coloración y ancho estéreo.
91. No hay nada de malo en masterizar tu propia pista
Claro, un par de oídos nuevos podría ser muy útil, pero no es realista esperar perder entre 50 y 100 dólares (o más) cada vez que necesitas un maestro en una pista, especialmente cuando recién estás comenzando. Aprenda algunos de los conceptos básicos y evite meter un preajuste de ozono y terminarlo.
92. La masterización se trata en un 90% de la sonoridad
Suponiendo que tiene una mezcla medio decente, el propósito principal de su maestro es simplemente llevarlo a volúmenes comerciales. Esto se puede hacer con 2-3 complementos al principio. El Inflador Sonnox, un buen compresor SSL y un limitador. Todo lo que vaya más allá de eso solo es necesario si domina la música de otras personas y no tiene acceso a todos sus temas.
93. La masterización no es una curita. No se exceda.
La masterización no está destinada a corregir demasiados problemas en su mezcla, está destinada a acentuar, resaltar y hacer que lo que ya está allí sea más prominente. Si cree que un maestro resolverá sus problemas, es hora de volver a evaluar su vida.
94. La mezcla siempre será más importante
En una nota similar, aunque la masterización es muy importante, nunca será tan importante como la mezcla real. Concéntrese en obtener los niveles adecuados, equilibrar su mezcla, crear sonidos asombrosos, pulir su mezcla, escribir una gran composición, y si puede hacer esas cosas, está al 95% del camino. Para ser honesto, Mastering es bastante fácil una vez que sabes lo que estás haciendo.
95. La masterización de Stem es siempre mejor que una master de una pista.
Los beneficios del dominio del tallo son muchos:
• La capacidad de aislar y ajustar grupos de su pista a voluntad, como tapas de batería, conductores de sintetizador, graves superiores, subgraves, etc.
• Puede conducir a un resultado más fuerte, limpio y dinámico
• Comenzar de nuevo con un proyecto nuevo y lleno de CPU
• Puedes ver (y escuchar) el futuro, lo que preparará tu mezcla para el master final.
Al final del día, la masterización de la raíz no se extiende a una mezcla completa, pero permite al ingeniero de masterización correcciones y mejoras más específicas en la ecualización, dinámica, profundidad y equilibrio de los instrumentos de la mezcla. Esto es bueno.
96. Compresión sutil
Al configurar la compresión de masterización, apunte a configuraciones suaves (ataque lento, liberación rápida) y no crea que necesita más de 1-2 dB de reducción de ganancia.
97. El inflador Sonnox
Simplemente no hay otro complemento en el mercado que haga lo que hace esto. Si tiene problemas para lograr el volumen y competir con sus artistas favoritos, comience con el inflador. Combine eso con un ecualizador reductor y algunas opciones de sonido y decisiones de composición sólidas y estará bien encaminado hacia un maestro comercialmente ruidoso.
98. Escuche su master final como MP3
La conversión de sus pistas a MP3 casi siempre dará como resultado un recorte si tiene un límite de alrededor de -0,2 a -0,3. Asegúrese de no sacrificar demasiada distorsión por el volumen.
99. No te estreses demasiado
Si no puede obtener el volumen que desea después de haberlo intentado todo, tómese un descanso y no se estrese. A veces, la elección del sonido y la composición hacen que sea imposible coincidir completamente con una referencia. Si esto le sucede a usted, tome otra pista de referencia y vea si puede con esa.
100. Siempre puedes dejar que alguien más lo intente
A veces pagar a un profesional con años de carrera exitosa para que haga el mastering puede ayudar a que tu track llegue a donde debe estar.
Fin
WOW! Así que eso es lo que se siente al escribir mas de 40000 letras y reunir 100 consejos de producción musical para ayudar a la comunidad.
Si pudiera agregar algo, sería esto: siempre hay más que aprender. No se sienta abrumado por eso. Esa es la aventura de producir Musica, siempre habra algo nuevo que descubrir. Tomalo como tu serie personal de Netflix. Cada dia de producción es un nuevo episodio de "Las aventuras de (Inserta aquí tu nombre de artista"). Tal vez esta temporada no este tan interesante pero te aseguro que puedes trabajar para hacer que la temporada aburrida termine y entrar en una nueva, mucho mejor, con personajes nuevos, llena de momentos épicos y felicidad.
Trabajar es parte de la lucha que es la producción musical. Abraza el trabajo. Acéptalo y se agradecido por trabajar en algo tan hermoso como es la música. Mantén una mente de trabajo positiva y te prometo que vendrán cosas buenas.
Entonces, ¿qué dejé fuera? ¿Tiene algún consejo que añadir a estos 100? ¿Cuáles te resonaron más? :)